амерички уметници. 7 мајстора који су изненадили свет

Амерички уметници су веома разнолики. Неко је био јасан космополита, попут Сарџента. По пореклу је Американац, али је скоро цео свој одрасли живот живео у Лондону и Паризу.

Међу њима има и аутентичних Американаца, који су приказали живот само својих сународника, попут Роквела.

А постоје уметници са овог света, попут Полока. Или они чија је уметност постала производ потрошачког друштва. Ово је, наравно, о Ворхолу.

Међутим, сви су они Американци. Слободољубиви, смели, светли. О седам од њих прочитајте у наставку.

1. Џејмс Вислер (1834-1903)

Вистлер се тешко може назвати правим Американцем. Одрастајући, живео је у Европи. А детињство је уопште провео ... у Русији. Његов отац је изградио железницу у Санкт Петербургу.

Тамо се дечак Џејмс заљубио у уметност, посећујући Ермитаж и Петерхоф захваљујући везама свог оца (тада су то биле палате затворене за јавност).

Зашто је Вхистлер познат? У ком год стилу да слика, од реализма до тонализма*, готово одмах се може препознати по две особине. Необичне боје и музичка имена.

Неки од његових портрета су имитације старих мајстора. Као, на пример, његов чувени портрет „Мајка уметника“.

Уметник је направио невероватан рад користећи боје у распону од светло сиве до тамно сиве. И нешто жуто.

Али то не значи да је Вхистлер волео такве боје. Био је изузетна личност. Лако се могао појавити у друштву у жутим чарапама и са светлим кишобраном. А то је када су се мушкарци обукли искључиво у црно и сиво.

Има и много лакших дела од „Мајке”. На пример, Симфонија у белом. Тако је слику назвао један од новинара на изложби. Вислеру се допала идеја. Од тада је скоро сва своја дела назвао на музички начин.

Али тада, 1862. године, публици се Симфонија није допала. Опет, због Вислерових идиосинкратичних шема боја. Људима је изгледало чудно писати жену у белом на белој позадини.

На слици видимо Вхистлерову црвенокосу љубавницу. Сасвим у духу прерафаелита. На крају крајева, тада је уметник био пријатељ са једним од главних покретача прерафаелизма, Габриелом Россеттијем. Лепота, љиљани, необични елементи (вучја кожа). Све је како треба.

Али Вислер се брзо удаљио од прерафаелизма. Пошто му није била важна спољашња лепота, већ расположење и емоције. И створио је нови правац - тонализам.

Његови пејзажи-ноктурна у стилу тонализма заиста личе на музику. Једнобојна, вискозна.

Сам Вислер је рекао да музичка имена помажу да се фокусира на саму слику, линије и боју. Истовремено, не размишљајући о месту и људима који су приказани.

Тонализам, као и близак њему импресионизам, средином 19. века, јавност такође није била импресионирана. Исувише далеко од реализма популарног у то време.

Али Вхистлер ће имати времена да сачека признање. До краја живота његово дело ће се радо куповати.

2. Мери Касат (1844-1926)

Мери Касат је рођена у богатој породици. Могла је да живи безбрижним животом. Ожените се и имајте децу. Али она је изабрала други пут. Давши себи завет на целибат ради сликарства.

Била је пријатељица са Едгар Дегас. Добио у среду импресионисти, заувек понесен овим правцем. А њена „Девојка у плавој фотељи” је прво импресионистичко дело које је јавност видела.

Али слика се никоме није допала. У 19. веку деца су приказивана као анђели који послушно седе, са увијеним увојцима и руменим образима. А ево и дете коме је очигледно досадно, седи у превише опуштеном положају.

Али Мери Касат, која никада није имала своју децу, била је та која је била скоро прва која их је приказала природним као што јесу.

За то време Касат је имао озбиљну „ману”. Била је жена. Није могла себи да приушти да оде сама у парк да слика из природе. Поготово да одем у кафић где су се окупљали други уметници. Сви мушкарци! Шта јој је остало?

Напишите монотоне женске чајанке у дневним собама са мермерним камином и скупим сетовима за чај. Живот је одмерен и бескрајно досадан.

Мери Касат није чекала признање. У почетку је била одбијена због свог импресионизма и наводно недовршених слика. Затим, већ у 20. веку, био је нагло „застарео“, пошто је сецесија била у моди (Климт) и фовизам (Матиссе).

Али је до краја остала верна свом стилу. Импресионизам. Софт пастел. Мајке са децом.

Зарад сликања, Касат је напустила мајчинство. Али њена женственост се све више манифестовала управо у тако деликатним делима као што је Слеепинг Цхилд. Штета што ју је једном конзервативно друштво ставило пред такав избор.

3. Џон Сарџент (1856-1925)

Џон Сарџент је био сигуран да ће целог живота бити сликар портрета. Каријера је ишла добро. Аристократе су се постројиле да му наређују.

Али једном је уметник прешао границу у мишљењу друштва. Сада нам је тешко да схватимо шта је толико неприхватљиво у филму „Мадам Кс”.

Истина, у оригиналној верзији, хероина је изоставила један од бралеттес. Сарџент ју је "подигао", али то није помогло случају. Наређења су пропала.

Шта је опсцено видела јавност? И чињеница да је Сарџент приказао манекенку у претерано самоувереној пози. Штавише, провидна кожа и ружичасто ухо су веома елоквентни.

Слика, такорећи, говори да ова жена са повећаном сексуалношћу није несклона прихватању удварања других мушкараца. Штавише, бити у браку.

Нажалост, иза овог скандала савременици нису видели ремек-дело. Тамна хаљина, светла кожа, динамична поза - једноставна комбинација коју могу пронаћи само најталентованији мајстори.

Али нема зла без добра. Сарџент је заузврат добио слободу. Почео је више да експериментише са импресионизмом. Пишите деци у непосредним ситуацијама. Тако се појавио рад „Каранфил, љиљан, љиљан, ружа”.

Сарџент је желео да ухвати одређени тренутак сумрака. Тако сам радио само 2 минута дневно када је осветљење било исправно. Радило се лети и јесени. А кад је цвеће увело, заменио га је вештачким.

Последњих деценија Сарџент је толико запао у укус слободе да је у потпуности почео да напушта портрете. Иако му је репутација већ враћена. Једног клијента је чак грубо одбио, рекавши да ће са великим задовољством офарбати њену капију него лице.

Савременици су се односили према Сарџенту са иронијом. Сматрајући га застарелим у доба модернизма. Али време је све ставило на своје место.

Сада његов рад не вреди ништа мање од дела најпознатијих модерниста. Па, а камоли љубав јавности и ништа не говори. Изложбе са његовим радовима су увек распродате.

4. Норман Роквел (1894-1978)

Тешко је замислити популарнијег уметника током његовог живота од Нормана Роквела. На његовим илустрацијама стасало је неколико генерација Американаца. Волим их свим срцем.

На крају крајева, Роквел је портретисао обичне Американце. Али у исто време приказују своје животе са најпозитивније стране. Роквел није желео да прикаже ни зле очеве ни равнодушне мајке. И са њим нећете срести несрећну децу.

Његови радови су пуни хумора, сочних боја и израза веома вешто ухваћених из живота.

Али илузија је да је дело дато Роквелу лако. Да би направио једну слику, прво би направио до стотину фотографија са својим моделима како би ухватио праве гестове.

Роквелов рад је имао огроман утицај на умове милиона Американаца. На крају крајева, често је говорио уз помоћ својих слика.

Током Другог светског рата одлучио је да покаже за шта су се борили војници његове земље. Створивши, између осталог, слику "Слобода од жеље". У виду Дана захвалности, на који сви чланови породице, сити и задовољни, уживају у породичном празнику.

После 50 година у Сатурдаи Евенинг Посту, Роквел се преселио у демократскији часопис Лоок, где је могао да изрази своје ставове о друштвеним питањима.

Најсјајније дело тих година је „Проблем са којим живимо“.

Ово је истинита прича о црној девојци која је ишла у белку школу. Од када је донет закон да се људи (а самим тим и образовне институције) више не деле по расној основи.

Али гневу становника није било граница. На путу до школе девојчицу је чувала полиција. Ево таквог "рутинског" тренутка и показао Роквел.

Ако желите да упознате живот Американаца у мало улепшаном светлу (како су и сами желели да га виде), обавезно погледајте Роквелове слике.

Можда је од свих сликара представљених у овом чланку, Роквел најефикаснији уметник.

5. Ендру Вајет (1917-2009)

За разлику од Роквела, Вајет није био тако позитиван. Самотњак по природи, није тражио ништа да улепша. Напротив, приказао је најобичније пејзаже и неупадљиве ствари. Само пшенично поље, само дрвена кућа. Али чак је успео да завири у њих нешто магично.

Његово најпознатије дело је Кристинин свет. Вајет је приказао судбину једне жене, његове комшинице. Пошто је била парализована од детињства, пузала је по околини своје фарме.

Дакле, на овој слици нема ничег романтичног, као што би на први поглед могло изгледати. Ако пажљиво погледате, онда жена има болну мршавост. А знајући да су ноге јунакиње парализоване, са тугом разумете колико је још далеко од куће.

На први поглед, Вајет је написао најобичније. Ево старог прозора старе куће. Отрцана завеса која је већ почела да се претвара у комадиће. Напољу замрачује шума.

Али у свему томе постоји нека мистерија. Неки други поглед.

Дакле, деца могу да гледају на свет неограниченим погледом. Као и Виатт. И ми смо уз њега.

Све Вајетове послове је водила његова жена. Била је добар организатор. Она је била та која је контактирала музеје и колекционаре.

Било је мало романтике у њиховој вези. Музика је морала да се појави. И постала је једноставна, али са изванредним изгледом Хелга. То је оно што видимо у многим делима.

Чини се да видимо само фотографску слику жене. Али из неког разлога, тешко је одвојити се од тога. Очи су јој превише сложене, рамена напета. Ми се, такорећи, интерно напрежемо са њом. Борим се да нађем објашњење за ову напетост.

Осликавајући стварност у сваком детаљу, Вајт ју је магично обдарио емоцијама које не могу оставити равнодушним.

Уметник дуго није био препознат. Својим реализмом, иако магичним, није се уклапао у модернистичке токове 20. века.

Када су музејски радници купили његова дела, покушали су да то ураде тихо, не привлачећи пажњу. Ретко су организоване изложбе. Али на завист модерниста, они су увек били велики успех. Људи су долазили у гомилама. И још увек долазе.

Прочитајте о уметнику уз чланак Кристин свет. Ремек дело Ендруа Вајета“.

6. Џексон Полок (1912-1956)

Џексона Полока је немогуће игнорисати. Прешао је одређену границу у уметности, после које сликарство није могло бити исто. Показао је да се у уметности, уопште, може без граница. Када сам положио платно на под и попрскао га бојом.

А овај амерички уметник почео је са апстракционизмом, у коме се још увек може пратити фигуративно. У његовом делу из 40-их "Стенограмска фигура" видимо обрисе и лица и руку. Па чак и нама разумљиви симболи у облику крстова и нула.

Његов рад је био похваљен, али нису журили да купе. Био је сиромашан као црквени миш. И пио је бестидно. Упркос срећном браку. Његова жена се дивила његовом таленту и учинила све за успех свог мужа.

Али Полок је првобитно био сломљена личност. Од његове младости, из његових поступака било је јасно да је рана смрт његова судбина.

Ова сломљеност као резултат ће га довести до смрти у 44. години. Али имаће времена да направи револуцију у уметности и постане познат.

И то је учинио у периоду од две године трезвења. Успео је да плодно ради 1950-1952. Дуго је експериментисао док није дошао до технике дрип.

Положивши огромно платно на под своје шупе, обилазио га је, такорећи, на самој слици. И прскана или само изливена боја.

Ове необичне слике почеле су да се купују од њега вољно због њихове невероватне оригиналности и новости.

Поллоцк је био запањен славом и пао је у депресију, не схватајући куда даље. Смртоносна мешавина алкохола и депресије није му оставила никакве шансе да преживи. Једном је сео за волан веома пијан. Последњи пут.

7. Енди Ворхол (1928-1987)

Само у земљи са таквим култом потрошње, као у Америци, могао би се родити поп арт. А њен главни покретач био је, наравно, Енди Ворхол.

Постао је познат по томе што је узимао најобичније ствари и претварао их у уметничко дело. То се десило са Цампбелловом конзервом за супу.

Избор није био случајан. Ворхолова мајка је хранила свог сина овом супом сваког дана више од 20 година. Чак и када се преселио у Њујорк и повео мајку са собом.

Након овог експеримента, Ворхол се заинтересовао за сито штампу. Од тада је сликао поп звезде и фарбао их у различите боје.

Тако се појавила његова чувена сликана Мерилин Монро.

Произведено је безброј таквих Марилин киселих боја. Арт Вархол стављен на стреам. Као што се и очекивало у потрошачком друштву.

Осликана лица је Ворхол измислио с разлогом. И опет, не без утицаја мајке. Као дете, током дуготрајне болести сина, вукла му је пакете бојанки.

Овај хоби из детињства прерастао је у нешто што је постало његова визит карта и учинило га невероватно богатим.

Сликао је не само естрадне звезде, већ и ремек-дела својих претходника. Схватио сам и "Венера" ​​Ботичели.

Венера је, као и Мерилин, урадила много. Ексклузивност уметничког дела Ворхол „брише” у прах. Зашто је уметник ово урадио?

За популаризацију старих ремек-дела? Или, обрнуто, покушајте да их обезвредите? Да овековечим естрадне звезде? Или зачинити смрт иронијом?

Његова сликана дела Мадоне, Елвиса Прислија или Лењина понекад су препознатљивија од оригиналних фотографија.

Али мало је вероватно да ће ремек-дела бити засењена. Ипак, исконска "Венера" ​​остаје непроцењива.

Ворхол је био страствени журка, привлачећи многе изопћенике. Наркомани, пропали глумци или само неуравнотежене личности. Један од њих га је једном убио.

Ворхол је преживео. Али 20 година касније, од последица ране коју је једном задобио, умро је сам у свом стану.

УС мелтинг пот

Упркос краткој историји америчке уметности, опсег је широк. Међу америчким уметницима постоје импресионисти (Саргент), и магични реалисти (Виетх), и апстрактни експресионисти (Поллоцк), и пионири поп-арта (Ворхол).

Па, Американци воле слободу избора у свему. Стотине деноминација. Стотине нација. Стотине уметничких праваца. Зато је он мелтинг пот Сједињених Америчких Држава.

*Тонализам - монохромни пејзажи сивих, плавих или браон нијанси, када је слика као у магли. Тонализам се сматра изданаком импресионизма, јер преноси уметников утисак о ономе што је видео.

***

Коментари други читаоци види доле. Често су добар додатак чланку. Такође можете да поделите своје мишљење о слици и уметнику, као и да поставите питање аутору.

Енглеска верзија чланка